Tipos de planos

• Plano entero: (P.E.) Plano figura, encuadra al sujeto de pies a cabeza.
• Plano americano: Carteles con corte de las rodillas hacia arriba (medio largo). Siempre los cuadros tienden a mostrar un elemento de la comunicación de la foto.
• Plano medio: Se recorta a la altura de la cintura.
• Plano medio corto: Corta a la altura de la caja, donde el fondo se aísla. Se busca que el objeto principal esté casi completo en el centro.
• Primer plano: Recoge el rostro y los hombros. A este le corresponde una distancia íntima.
• Primerísimo plano: Corta la frente y la barbilla eliminando el fondo.

Composición fotográfica

• Centro de interés: Cada fotografía debe tenerlo, no tiene que ser necesariamente el que se encuentre en el centro de la foto o que ocupe la mayor parte de la imagen. Indica la temática principal de la fotografía.
• Rellenar encuadre: Una posibilidad para llevar a cabo. Permite eliminar el error que se comete al querer realizar una toma con demasiados elementos.
• Líneas: Aportan formas y contornos, permiten al espectador elaborar una historia, partícula de la imagen, además de dirigir su mirada. Hay dos tipos: horizontales y verticales; y un tipo especial de líneas que serían las convergentes de las anteriores.
• Flujo: Es el modo en que la mirada del espectador se mueve de una parte de la fotografía a otra; a partir del análisis del flujo el espectador es capaz de establecer un recorrido en la imagen. El flujo a nivel perceptivo, genera ilusión de movimiento.
• Dirección: Crea sensación de movimiento. Cualquier objeto que esté en movimiento tiene que tener dirección. Lo que se toma en cuenta es la ilusión del movimiento y la orientación ligada a contar una historia.
• Repetición: Puede generar efectos perceptivos muy equilibrados y estéticos. Da sentido de relación a las distintas partes de una imagen, puede aportar también factores psicológicos.
• Grupos de tres: Abre la posibilidad de mayor equilibrio a nivel del encuadre, además de aportar factores psicológicos relacionados con el equilibrio disminuyendo otros factores como la soledad, el aislamiento, la estática y la multiplicidad.
• Espacio negativo: El espacio negativo es un elemento compositivo que nos permite reforzar el tema de una imagen. Consiste en mantener un fondo uniforme, sin elementos distractores, situando el centro de interés en alguna parte de la fotografía. Al mantener este fondo uniforme, la vista se centra en el centro de interés, al igual que si nos hubiéramos acercado con el zoom al objeto fotografiado. A la hora de identificar el centro de interés, el cerebro consigue identificar rápidamente cual es el tema de la fotografía, realzando el motivo. Sin embargo, el alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de este espacio muerto transmite una información adicional: soledad, aislamiento o calma.
• Forma y fondo: El fondo, en fotografía, es tan importante como el motivo u objeto tema. Hay veces en que no podemos preparar o elegir el fondo porque estamos tomando una fotografía “documental” de algo que está sucediendo en un instante determinado y no se repetirá luego.

Lyle Owerko

Lyle Owerko es un cineasta y fotógrafo, cuyo trabajo ha oscilado entre Sundance Channel a TIEMPO Revista de MTV. Sus fotos son recogidos por muchos clientes de negocios, entretenimiento y celebridades, que se han utilizado en varias películas, entre ellas de Henry Cantante The Falling Man and The Omen (película de 2006), así como los libros como de Jonathan Safran Foer Tan fuerte, tan cerca. Su trabajo también se incluye en el archivo permanente de la Biblioteca del Congreso en Washington DC.

Cuando era un joven director, Lyle trabajó con Robert Redford dirigiéndolo como parte de una serie de spots comerciales Sundance Channel. Él acaba de rodar un vídeo musical para el primer single en el nuevo álbum ganador del Grammy Jesse Harris 'Feel. También ha dirigido videos musicales para artistas como Rufus Wainwright y American Hi-Fi.

En 2005 Princeton Architectural Press publicó de Jennifer Nuevo libro Basándose en la vida que ofreció revistas de Lyle, así como los de Mike Figgis, David Byrne, Carol Beckwith y Maira Kalman.

En una mañana que se quedará con él siempre, Lyle disparó al fotografía de la portada de la revista Time el 11 de septiembre de 2001.En 2005 la Sociedad Americana de Editores de Revistas clasificó como uno de los 40 más importantes portadas de revistas en los últimos 40 años. Además del reconocimiento por el trabajo € ™ s Lyleâ ha venido de la de Nueva York y alemanas Art Directors Club, el AIGA , American Photo, Imprimir Magazine, Entra en Diseño, El Type Directors Club, The One Club, New York Festivals y un Grand Prix en el Festival de Publicidad de Cannes Lions International.

Lyle viaja mucho por todo el mundo cada año disparando las tareas y trabajo personal. Se crió en Calgary, Canadá, estudió en el Pratt Institute (donde obtuvo una Maestría en Ciencias en el programa de artes de la comunicación). Reside en la ciudad de Nueva York.

Kike Calvo

Estudió Economía en la Universidad de Zaragoza.

Comenzó con la fotografía en un viaje a Nicaragua en el que llevó una cámara prestada por su tío. Allí desarrolló su ojo para contar historias. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país.

Se formó en fotografía en escuelas como la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas, y experimentó también un marcado interés por el periodismo (obtuvo varios premios en periodismo en la Universidad de Idaho), forjando y desarrollando ambas pasiones simultáneamente, que serían luego las marcas de su estilo tan personal.

Su técnica es la del conservacionismo, retratando en ambientes naturales y captando instantáneas de sus habitantes. Esto y su compromiso social y político con la causa, le han valido el reconocimiento de organismos nacionales e internacionales orientados al desarrollo y la conservación del medio ambiente, como las Naciones Unidas.

Ha exhibido su trabajo innumerables veces, en la Oficina Central de las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de Nueva York, Chicago y Manila (Filipinas) y en el Museo Pablo Serrano (España).

El trabajo de Kike Calvo recoge escenarios de más de 65 países. Es de los pocos fotógrafos españoles que ha podido ser testigo de las Islas Galápagos y de las aguas lejanas del Ártico. También ha recorrido Australia, Israel, Islas Maldivas, Bolivia, Brasil, Hawái, Hong Kong, Egipto, Belice, México, Canadá, Portugal, Tailandia y Costa Rica, entre muchos otros.

Sus trabajos se han publicado en Geo, New York Times, National Geographic...

Ha obtenido los siguientes premios en fotografía:

• Premios de Fotografía de Conservación Internacional de Wolfe en el año 2008. Categoría Submarina.
• Premio sobre Asuntos Internacionales en 2001 de la Universidad de Nueva York.

Coca-Cola le invitó como conferenciante al Foro Estambul 2007. 

Toby Keller

Toby Keller es un fotógrafo llegado de Santa Bárbara y que domina especialmente la técnica del luminograma. Lo más impresionante de sus fotos es el contraste que podemos apreciar entre las diferentes variaciones de luz y los demás elementos de la fotografía. Su obra es atractiva, impresionante y una fuente de inspiración para una nueva generación de fotógrafos que buscan extender los límites de la fotografía como disciplina.

Keller se ha especializado en fotos nocturnas, de larga exposición. Son especialmente notorias sus fotografías marinas, debido a que consigue reproducir colores muy ricos y vibrantes. Toby es un artista increíblemente creativo.

Últimamente ha estado trabajando con las técnicas de pintura de luz con LEDs, alambre de EL, y las luces negras para crear senderos de luz en la imagen. Las largas exposiciones y senderos de luz se combinan presentando al espectador una etérea sensación surrealista. 

Henri Cartier Bresson

Henri Cartier-Bresson Nacido en Chanteloup (Francia) el año 1908 en una familia de clase media. Siendo todavía un niño ya se siente atraído por la fotografía. Estudia pintura y literatura en Cambridge, pero hasta 1931 no empieza como fotógrafo. Sus primeras experiencias con la fotografía empezaron con una cámara Kodak Box Brownie.

En 1932 adquiere su "maravillosa" Leica: el formato de 35 mm llega a sorprenderle y fascinarle. Henri llegó a cubrir de negro las partes niqueladas de su cámara para pasar inadvertido.

Se encontraba muy atraído por imágenes de fotografía de carácter deportivo, publicadas en aquel entonces por revistas francesas y alemanas de los años 30. Fue uno de los padres del foto reportaje y junto a Robert Capa fue también el cofundador de la agencia Magnum Photos.

Poseía una gran capacidad única para capturar el momento efímero en que la importancia del tema se da a conocer en la forma, el contenido y la expresión. Lo llamó el instante decisivo.

Referente a su técnica jamás recortó los negativos, se positivaban completos, sin encuadrar ni cortar nada. Realizó fotografías en prácticamente todo el mundo y fue el primer fotógrafo en exhibir en el museo del Louvre, en París.

Publicó numerosos libros, es de destacar el publicado en los años 50 titulado "Images a la sauvette" que es todo un legado y compendio del significado, técnica y utilidad fotográfica.

En el año 1974, decide dar un cambio a su carrera como fotógrafo para volver a la pintura, su verdadera vocación desde la infancia. En sus últimos años de vida, crea junto a su mujer la Fundación Henri Cartier-Bresson, en la que recopila toda la obra que realizó en vida.

Daniel Aguilar

Daniel Aguilar nació en la Ciudad de México en 1971.
Inició su carrera en 1989 trabajando para diarios locales como: El Heraldo, Excélsior y El Universal, en 1997 ingresa a la agencia internacional de noticias Reuters donde labora hasta la fecha como fotógrafo staff.

A realizado coberturas en diversos países como Guatemala, El Salvador, Honduras, Colombia, Haití, Venezuela, Cuba, Argentina, Jamaica, Bolivia, Costa Rica, Estados Unidos y China, cubriendo eventos como: Juegos Olímpicos en Atlanta en 1996 y Beijing 2008, Golpe de estado en Venezuela en el 2002, Crisis política y revuelta en Haití en el 2004.

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales como: "Haití. Vivir la Muerte". Centro de la Imagen, México, DF. Agosto del 2004. "45 miradas mexicanas". Guangdong Museum of Art, China. Noviembre del 2007. "Daniel Aguilar 20". Casa Escorza, Guadalajara, Jalisco. Julio del 2009.

Trey Ratcliff

Trey Ratcliff, este fotógrafo originario de Austin, Texas es actualmente considerado como uno de los mejores fotógrafos, y si vez sus trabajos en stock in customs no tendrás duda que es un título bien merecido, además al ser pionero en de la fotografía HDR, el primer fotógrafo en el smithsoniano (ganador de un concurso en la categoría Americana del mismo), conferencias y proyectos para el mismísimo Google y muchos otros premios a sus blogs. 

Trey ha viajado casi por todo el mundo tomando increíbles fotos en cada lugar que recorre... ¿Su meta? una espectacular toma cada día.

Norman Parkinson

Londres 1913 – Las Indias Occidentales 1990.

Parkinson era un tipo peculiar. Excéntrico, elegante, imponente (1,95 de estatura). Auténtico gentleman inglés. Fue el referente de la fotografía de moda a lo largo de más de 50 años.

Comenzó su carrera en 1931 como aprendiz del fotógrafo “de la corte” Speaight and Sons Ltd., de donde obtuvo sus primeros encargos para Harper´s Bazaar. Pero pronto abandonaría su trabajo de ayudante en el estudio para establecerse por su cuenta.

Las modelos de Parkinson son mujeres activas, reales, fuertes, bellas, creíbles.

Durante varias décadas del siglo XX, sobre todo desde finales de los años cuarenta hasta principios de los setenta, Parkinson fue el gran referente de la fotografía de moda. Inició el estilo conocido como action realism (realismo en acción), que desarrollaron varias generaciones de fotógrafos y todavía hoy permanece vivo. Este estilo está basado en el uso de la luz natural y el movimiento en escenarios reales para eliminar artificiosidad al género.

No sólo salió con las modelos a la calle por primera vez en la historia de la fotografía, sino que buscó localizaciones significativas y llenas de historias, como estaciones de ferrocarril, plazas famosas y cualquier otro lugar cargado de belleza y contenido. Buscó espacios más allá de lo imaginable por desconocidos. Pero sobre todo puso a las modelos al nivel de la gente de la calle, las humanizó.

Monta la cámara sobre ruedas, crea un sistema flexible de iluminación que acompañaba al sujeto en sus desplazamientos basado en los empleados en los estudios cinematográficos: los spots (luz potente, directa y con un haz controlable) y las lámparas flood (luz suave y difusa) movibles podían desplazarse para crear sombras y efectos.

Una de sus técnicas más recurrente es la de disparar a contraluz y acompañar la exposición con un flash de relleno en el primer término. Una característica de sus primeras fotografías, que volverá a aparecer más tarde, es colocar una figura borrosa a un lado del encuadre, para dar mayor profundidad e involucrar al espectador en la escena.

A Parkinson le gustaba improvisar, jugar con los errores, aprovechar lo inesperado. Incluso su estética podría recordar la iconografía periodística, como esa pareja que corre feliz hacia la cámara con el skyline de Nueva York al fondo.

Decía que el éxito de su trabajo estaba basado en su admiración por las mujeres. “Son más valientes, trabajadoras, honestas y directas que los hombres”, afirmaba.

“Mis mujeres actúan de otra manera, mis mujeres iban de compras, conducían coches, tenían niños, le daban un puntapié a un perro…”, recuerda Parkinson.

Helmut Newton

Helmut Newton nació en 1920 y su auténtico nombre es Helmut Neustädter. Fue un fotógrafo alemán de origen judío que se vio obligado a abandonar su país por culpa de la II Guerra Mundial.

Su introducción en el mundo de la fotografía data de 1936 cuando comenzó a trabajar como aprendiz en el estudio fotográfico de Else Simón (Yva). Ella era famosa por sus retratos de desnudos y su fotografía de moda. Estuvo allí hasta 1938, año en que abandona su Berlín natal. Pasó varios años en Singapur y Viena y vivió en París más de 25 años.

Helmut Newton trabajó para la edición francesa, inglesa, americana e italiana de la revista Vogue. Sus trabajos también fueron publicados en las revistas Marie Claire o American Playboy.

En la actualidad sus fotografías son muy reconocidas. Newton creó un nuevo estilo en el mundo de la moda, en el canon de belleza y en la admiración del desnudo. Todo esto le granjeó mucho éxito como fotógrafo a pesar de tener muchos detractores en su época.

Newton tenía preferencia por las mujeres altas, delgadas y huesudas y las retrató tanto vestidas como desnudas. También centró muchos de sus trabajos en la imagen andrógina de algunas de ellas y las vistió como hombres. Todo esto ocurría en plena revolución sexual y cuando la mujer de la época estaba en la búsqueda de su nueva identidad.

La fotografía de Newton demuestra las facetas más diversas de los nuevos tipos de mujer. Fue premiado en numerosas ocasiones y publico algunos libros con sus imágenes. El primero de ellos en 1976 y se llamaba “Mujer blanca”.

Murió en el año 2004 en Los Ángeles, Estados Unidos.

Regla de los tercios

La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del centro de la fotografía.

Cada uno de estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. Cuando estemos haciendo una foto, si solo existe un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro puntos de intersección mencionados en lugar de hacerlo directamente en el centro de la foto.

Esto suele generar mayor atracción en el espectador que cuando el centro de interés esta en el mismo centro de la fotografía.

Géneros

Retrato: Género fotográfico que muestra las cualidades físicas y morales de una persona.

Paisaje: Imprime la belleza de los paisajes, la flora y la fauna, dentro de su ambiente natural. Se puede dividir en dos planos: cielo y tierra. Implica la regla del horizonte, donde éste se utiliza como línea referente ; se divide en tres y puede ser a 2/3 predominantes de cielo o a 2/3 predominantes de tierra.

Naturaleza muerta (bodegones): Es el retrato de un objeto o grupo de objetos, que se realizan desde su interior, fuera de su ambiente natural.

Helmut Newton

Helmut Newton está considerado como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, uno de los más influyentes en cuanto a la fotografía de desnudos y uno de los pioneros de la fotografía de moda.

Polémico y admirado nació en Berlín en 1920. A los 18 años tuvo que abandonar Alemania debido a la persecución contra los judíos y emigró a Singapur con su familia donde trabajó como fotógrafo en un diario. Ahí comenzó su carrera fotográfica.

De Singapur se marchó a Australia donde estuvo junto con el ejército Australiano hasta final de la II guerra mundial. Por esa época conoce a la que iba a ser su primera mujer y una de sus más retratadas, June Brunell. Tras completar en Londres su formación como fotógrafo de moda se marcha a París donde residiría trabajando para revistas como Vogue, Marie-Claire o Elle. Su nombre empieza a sonar fuerte y su reconocimiento mundial iría en aumento hasta el punto de convertirse en una referencia. Numerosas personalidades de todos los campos fueros retratadas por Newton que tenía un control de la luz exquisito y un atrezzo que rozaba la perfección.

Portadas llenas de glamour, lujo, belleza, seducción y elegancia se entremezclan de los que ha sido y será uno de los grandes fotógrafos de todos los tiempos. Con un estilo muy marcado se reconocería su obra con tan sólo mirarla y conseguir eso está al alcance de muy pocos.

Murió Los Ángeles en un accidente de tráfico en el 2004.

Philippe Halsman

Al tomar su primer fotografía comenta: "Fué uno de los mometos más mágicos de mi vida".

Su primera experiencia fué con una cámara que encontró en el ático, en la cual le tomó una foto a su hermana. Al momento de revelar la foto desarrolló la primera placa en el baño con la luz de una bombilla de color rojo rubí.

Estidió ingeniería eléctrica, pero al darse cuenta de que le apasionaba mucho este arte, abandonó su carrera y se mudó a París.

Su equipo consistía en una vieja cámara de visión en un tripode y el simple reflector. Pensaba que la iluminación podría ser un poderoso medio de caracterización.

Fué el mejor retratista de Francia, ya que muestra el impacto total de una personalidad. El 10 de noviembre de 1940 en New York, firmó un contrato con el Negro Estrella, la agencia de fotografía que lo envió para disparar una variedad de temas como circos y desfiles.

Su fotografía: 'El perfil de América', ganó el Art Directors Club de Medalla. Colaboró con 101 portadas para la revista LIFE.

En la década de 1940 conoció a Dalí, y esto dió lugar al nacimiento de una corriente de fotografías inusuales.

Partes de una cámara

Lente u objetivo:

Un objetivo es un tubo que dirige el.haz de la luz hacia la cámara fotográfica. Contiene lentes, que pueden ser de cristal o de plástico y puede ser un objetivo fijo o intercambiable.

Cada objetivo tiene una distancia focal y características propias.

Distancia o rango focal:

Es una de las primeras cosas que destacan de un objetivo a la hora de considerar una compra. Viene a ser algo así como el alcance del objetivo. Cuanto mayor sea el valor, el objetivo tendrá mas 'zoom' por decirlo de alguna manera.

Mayor la distancia focal, mayor 'zoom' tendra el objetivo. Menor distancia focal, más 'lejos' se verán las cosas, digamos, pero el encuadre o ángulo de visión será mucho más amplio en cambio.

Sensor:

Es un elemento 'sensible' dentro de nuestra cámara, aquello sobre lo cual se proyecta la luz dibujando una imágen que representa lo que nuestra cámara ve.

Es una especie de pequeño chip compuesto por millones de componentes sensibles a la luz, llamados pixeles. Estos tienen que estar siempre a oscuras, y tan pronto como se les exponga a la luz ellos la capturan, gracias a que capturan esa luz, obtenemos la imágen.

Diafragma:

En una cámara el que regula la intensidad de la luz se denomina diafragma, que actúa estrechando el cono de luz que penetra por el objetivo.

La luminosidad es la que va a determinar la profundidad de campo (lo que hace el lente). Se representa con la letra f. Mientras mayor sea el valor habrá menos luz.

La luminosidad de un objetivo ó número f es el cociente entre su distancia focal y diámetro de su apertura.

Obturador:

Determina la velocidad a la que va a entrar la luz. Entre el objetivo y el sensor existe también un obturador, que controla el tiempo que el sensor está expuesto a la luz (tiempo de exposición).

El tiempo de exposición está intimamente relacionado con la velocidad de obturador, siendo este el periodo de tiempo durante el cual está abierto el obturador de una cámara fotográfica.

Se expresa en segundos y fracciones de segundo. El salto de cada valor al siguiente se denomina peso.